中国画很多作品相似？
“画得像”和“画得一样像”是两码事，前者侧重指形象的表现得体；后者偏义为形象表现得相同复制。所以问题其实可以表达得更清晰一些，如“为什么中国画的临摹、写意创作容易抄袭？”“中国画家学习时为什么容易画得像？”等等。 前面说到过，中国绘画中“形”的作用是“写意”的，是“借形写意”而不是“描形写实”（当然也不完全排斥描形），所以临摹时主要关注的是神态、笔法、墨法、构图等，对形的复制要求没有那么高，只要大体像即可，甚至偶尔有些变形也可以接受，因为“画得像”本身是不追求真实的。这就是中国传统绘画里所说的“笔墨当随时代”的体现吧——“似与不似之间”正体现了这一特征。
但这里需要指出的一点是传统中国文化里虽然不强调“形似”，却非常讲究“神似”——所谓“形神兼备”“以形写神”，这里的“形”已经不再是客观形象的“形”，而是主观意象中的“形”了——这个“形”其实是心象，是通过感知而得到的主观形象，它与对象原本的形象有不同，这种不同不是刻意求异，而是在“似与不似之间”的自然流露。这是中国传统艺术里非常推崇的一种状态。
从另一个角度说，中国传统艺术是允许并且提倡“抄袭”的——不过这种“抄袭”不是简单复制，而是一种模仿借鉴，是在为师法造化的基础上进行创造性劳动。中国古代文人雅士们写诗填词作文往往都有“师友”，即他们的作品往往是相互影响的。比如苏轼的词作《水调歌头》被辛弃疾用到自己的词作中去；辛弃疾的词作《贺新郎》被刘克庄写到自己的作品当中。
他们不仅“借”形式，也“借”内容，而且借得很自然，因为毕竟都是“师法自然”的结果。 中国传统绘画也有这样“取法自然”“师法造化”的特点。古人作画并不是在纸上照搬实物，而是通过观察，将其特有的形态结构等概括进纸面，这种特有的表现形式正是古人所谓“笔墨”，也是今天人们常说的“画法”。
古人是说“师法造化而有所发明”，而不是简单地“师法某家”。明代顾宪成有一幅论画诗云：“山川泼墨尚淋漓，兀自风生笔底奇。莫道古今无合璧，杨风吹出王摩诘。”他的意思就是说学古不一定要逐字逐句去学习古人的诗词文赋，也要学会借用古人的风格去写自己的文章，画画也是一样，不必事事都去模仿前人。这是对中国传统艺术创新的一种解释。