如何解读中国人物画？
中国的人物绘画不是“像”的，是“不像”的； 其次，中国传统的人像画主要不是为了“像”而作的——传统中国是人情社会、熟人社会，画像主要是为了“看”，看着高兴、看着吉祥、看着有希望、看着有前途；最后，因为不是“像”的，所以没有所谓的“解”的问题（这里说的解和解读没区别），只有欣赏或讽谏或教化之类的说法。 ——所谓解读，其实是不存在的。
当然，如果题主的意思是指怎样理解画面中的意思的话，那又可以分为画面外的人和画面上的人两个方面。 一方面，即画面外的人，观者。这又包括主观和客观两个方面。 就主观而言，由于传统的中国人物画，尤其是写意人物画多是文人画的范畴，那么观者的文化审美水平就必须至少在作者的水平之上，否则看不懂作者在画什么，甚至以为作者在乱画，那么即使再有艺术追求，这种审美上的不自信也会让你望而却步，干脆就不看了。反过来，如果你通过努力达到了作者的境界，那你在看他的时候，就会与他共情，进而产生一种共鸣，这种情感上的交流是无可比拟的美妙感受。
另一方面是画面上的人。这包括了三种情形：一种是直接描写人物的，这是最容易理解的，只要你按照常理去看就行。第二种是描写与人物有关的情节的，这就需要你在了解了有关背景之后，带着故事去鉴赏作品。第三种是纯粹的表现人物精神状态的，这类作品往往不需要具体的“看”的对象，你需要做的是进入作品，体验这种状态，与画家所表达的精神领域进行接触。
人物画是以描写人物的活动和肖像为主的一种中国画的画科。在人物画初起之时，宗教艺术在中国画坛横行之际，也受到一定影响。从画像砖、画像石和墓室壁画中，可以找到这方面的证据。随着社会的变革，艺术思潮的发展，从东晋顾恺之始，中国人物画已具有了本身的艺术特质和价值。
魏晋南北朝时期，以顾恺之、陆探微和张僧繇为代表的画家群，为中国人物画的发展做出了不朽的贡献，在人物画的构图、用笔和传神方面，创立了中国式的理念和技法。而隋唐的展子虔、阎立本、吴道子等人，沿袭并发展了前代人物画的风格，为中国古典人物画的成熟和完善时期。五代两宋以后，宗教画逐渐衰微，民间画和宫廷画的分工更趋明确。从宋代开始，文人画崛起，人物、鞍马、山水画也由职业画家和非职业的文人画所分占。文人画家以山水画和花鸟画为主要题材，人物画不再像之前那样受到广泛重视，导致人物画的发展逐渐趋缓。不过在宋代，仍有多名在人物画领域独树一帜的画家，如画婴戏孩儿的苏汉臣、画历史故事的刘松年、擅长风俗画的高太冲、画山水兼能人物的李唐及画历史故事兼善宗教画的杨士贤等。
在元代，文人画盛行，在这种风气的影响下，人物画也融入了更多文人的气息。人物、山水、花鸟画都逐渐文人化了。这一时期不仅擅长写意山水、花卉的赵孟頫能画人物，就连擅山水的王蒙，专写竹石的倪瓒和长于兰竹的吴镇都会画人物。他们所画人物画，用笔简率洒脱，人物的眉目常常用尖细的笔尖点簇而成，神情生动。明清时期，继承工笔重彩人物画风的有仇英和陈洪绶。仇英主要继承了张渥、界画和南宋刘松年等人的画风，所作线描精工细丽，无斧凿之痕。陈洪绶的人物画造型古拙奇伟，用线简练而又具有装饰性，设色浓重对比强烈，具有独创的风格而震古烁今。清代中期，伴随着经济文化的繁盛一度出现了人物画繁荣的局面。
