书法作品如何拍照？
这个问题问的不错，很有意义！不过呢，由于书法创作在空间构成上的多样性、复杂性，摄影者面对的是多种多样的场景和画面，所以没有统一的办法来解决问题——这当然很理想啦（不然岂不是沦为套路了）。 所以我只能讲讲我的体会而已…… 首先，我认为最重要的还是“观察”的能力。这里面的核心词是“细节”：对被摄对象的细节，以及周围环境的细节要敏感，并且能够迅速地抓住最有表现力的那部分。
举几个例子吧。比如要拍一幅斗方的作品，这个构图其实是很讲究的，需要把字放在哪个位置才能显得和谐又不沉闷，都需要提前考量。而如果你站在合适的位置上，你大概一眼就能看出来哪块比较合适，这就是你的“经验”——也许别人站上去也会觉得这块比较好，但是你不知道啊对不对？再比如，你要拍一幅扇面，可能别人会找一把造型特别别致的扇子来拍，而你则可能会选择一把普通但尺寸很合适的来拍，因为这样会显得整幅作品的布局更合理，而不是为了追求道具的新鲜感而牺牲掉整体的平衡。这就是你的“判断”——虽然你可能说不出个理由来，但是在潜意识里就是这样觉得的。
其次，我觉得应该注重“形式感”。形式感并不是一个空泛的概念，它跟“构成原理”一样都是建立在严谨的科学基础之上的，只不过后者比较抽象难以理解罢了；然而前者则是很具体的，可以具体到某一幅画或某个艺术作品上面去分析、研究它的构成方式，然后再运用到自己的摄影作品当中。所以你可以多看看美术方面的书籍杂志，从中得到启发。
然后就是“光影”了。这是最直观也最容易被人忽视的一个要素之一。很多人拍出来的照片要么就是一团漆黑，要么就是亮得过分，其实这都是不对的。只有把握好光与暗之间的微妙关系才能让作品更具魅力。至于具体怎么做嘛，那就是技术层面的事情了... 另外，我觉得摄影师最好能掌握一些基本的后期技巧——不是说用PS加滤镜什么的，而是说你能根据现场的光线情况、作品的基本形态等等因素来对作品进行初步的调整和处理。比如，如果你发现整个画面偏蓝或者偏红的话，就可以适当给它们加点绿或橙色的饱和度使色调变得更协调些；或者你觉得画面太亮了可以加一点灰度让视觉更舒适等...这些技巧都可以让你的作品看起来更加专业而不失美感哦~ 最后祝大家都能拍出自己满意的作品啦^_^