中国画论的是什么？
要区分“画”与“画论”的概念—— “画”指代狭义上的美术（造型艺术），“画论”则是指对绘画的理论思考、研究分析。 因此这个问题可以转换为——中国人(古代)主要从哪些方面讨论绘画？ 中国传统文化中占据主流地位的是儒家文化，因此讨论绘画时主要从“人”——创作者和欣赏者两个角度来切入。
1.关于作者——提倡“师法自然”，强调创作中的“心”“意”等主观性的东西在创作中的作用；认为作者的人格修养和学识对于创作的重要性不亚于技法的练习；反对墨守成规，提出“作画用墨用色，都要随性所到，若一执着，便非所长矣”等等，这些观点都可以追溯到《庄子》中所提出的“天人合一”的思想，以及荀子所说的“君子知夫不全不粹之不足以为美也，故必体而后全兮，谓之盛德”。 此外还有所谓“书如其人”“画如其人”的说法，“人”很重要，这个“人”并不是仅指作者的人格、品德，而是说作者的素养——文学的、历史的、哲学的等等知识结构都会影响到绘画的水平。
2.关于赏者——“心”的关键在于如何“静”下来，而“身”“外物”的作用就在于使“心”保持宁静。因此观画之时，应该“澄怀静虑”(王维语)，“至清至粹”(朱耷语)于内心之中进行回味领会。这种观赏的方式同样受到传统文化的影响，比如我们看待一幅古典山水画时常会说这“给人清静脱俗的感觉”，而面对一幅现代主义作品的时候可能会说“给人以震动感”“让人看完之后满脑子都在想那几棵大树”，可见传统审美中的“静观默察”“淡看疏密”是深受儒家中正平和观念影响的。 同时，因为中国自古就有文人画的传统，所以文人的审美气质影响着整个中国画（包括文人画）的风格流变。
中国画简称“国画”，起源于原始岩画。西汉时，帛画、纸本画开始出现。魏晋时，顾恺之提出“以形写神”、“气韵生动”等见解，丰富了中国画的艺术表现手法和美学思想。唐代张彦远的《历代名画记》是一部重要著作，对后世颇有影响。
中国画以笔法、墨法、章法运用于纸或绢上，表现中华民族的民族精神和民族文化。所表现物象追求不似而似，似而不似，崇尚意境深幽和韵外之致。主要表现技法有皴、勾、点、染和泼墨、泼彩等，要求有书法、诗词等方面的文化修养。中国画由于形式上的特殊，形成了独具特色的装裱艺术。
传统中国画的题材主要有山水、人物、走兽、花鸟、虫鱼等。中国画以描绘对象有四君子（梅、兰、竹、菊）、岁寒三友（松、竹、梅）及寓意祥和的龙凤等。中国画以工具材料的不同，分为“工笔”、“写意”。写意又分为“大写意”、“小写意”。中国画所用的印，多为篆刻艺术，以表达画面内容和作者的志趣，有引首（于幅顶端）和钤记（作者署名）。印章为文人画的重要组成部分之一。中国画以特有的宣纸（生宣、熟宣和半生不熟宣）、颜料（国画颜料、岩彩）和毛笔（硬毫、软毫和兼毫）作为绘画工具。其主要流传地区为中国大陆、港澳台地区、东南亚、欧美国家等。
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时代，人物画已达到一定水平。长沙出土的《人物龙凤》和《人物御龙》两幅帛画，线条流畅，造型生动，是中国存世最古老的画作。魏晋南北朝时期，宗教画盛行，山水画、花鸟画萌芽。山水画、花鸟画的形成和人物画、山水画、花鸟画的题材独立，标志著中国画体系已基本完备。隋唐时期，中国画已进入盛世，山水画、花鸟画都有了长足发展。唐代就有“青绿”、“金碧”和水墨两种明显不同的风格。吴道子和“画圣”被后世尊为“画祖”。五代、两宋是山水画发展至高峰的时期（中国山水画和文人画的兴起）。出现了地域不同的“荆关”（荆浩和弟子关仝）画派、“董巨”（董源和弟子巨然）画派，并向笔墨意境更深层次发展。山水画和花鸟画成为元以后的画坛主流。元代是文人画发展至高峰时期，山水画以赵孟頫为代表，注重以书入画，讲究笔、墨韵味和诗、书、画、印的综合效果，开创了影响后世700年文人画风。明清两代，人物画再度兴起，表现技巧和手法更趋丰富。近现代以来，中国画的本土形式和外来语种进行了有益的探索，开始走向世界的艺术舞台。
